TwitterFacebookInstagramYouTubefeed

2020/07/27  #034
The Golden Age of Hollywood/1945-1965 (Part two) – The History of Cinema (2)
ハリウッドの黄金期/戦後編 (後編) – 世界の映画史(2)


Mickey K. / ミッキーK

*Scroll to the end of the text for our video language lessons
※動画レッスンは、テキストの最後にあります


5. Hollywood Classics From the Postwar Era

●It’s a Wonderful Life (1946)
Director: Frank Capra

Returning to Hollywood after having produced propaganda films in the U.S. Army Signal Corps, Frank Capra joined fellow wartime filmmakers William Wyler and George Stevens and founded the independent production company Liberty Films. The first film to come out of the studio was It’s a Wonderful Life—a film that was meant to be the culmination of Capra’s career up until that point. However, the film performed poorly at the box office; perhaps the public was not in the mood for sentimentality after having experienced the harsh reality of war. Paramount Pictures ended up buying Liberty Films in 1947. Owing to a clerical error, the film was put into the public domain (*1) in the mid-70s, and subsequently became a Christmastime TV classic.

*1 The public domain consists of all the creative work to which no exclusive intellectual property rights apply.

●The Treasure of Sierra Madre (1948)
Director: John Huston

John Huston, who had also made propaganda films during the war, won the Academy Award for Best Director with his first postwar film, The Treasure of the Sierra Madre. The film follows two American drifters and a grizzled prospector as they look for gold in the remote Sierra Madre mountains of Mexico. It is notable for featuring no love interest and lacking a happy ending, as well as star Humphrey Bogart’s (*2) turn as a pathetic, distrusting bum. The film was also one of the first Hollywood productions to be shot on location outside of the U.S. For the adventurous Huston, artificial sets were no longer enough.

*2 Humphrey Bogart (1899-1957) was an American film and stage actor who was an American cultural icon during the second half of the Golden Age of Hollywood.



●Sunset Boulevard (1950)
Director: Billy Wilder

Billy Wilder was born to a family of Polish Jews in a small town, which, at the time, was part of the Austro-Hungarian Empire. He began working as a screenwriter after moving to Berlin but fled to France and then to the U.S. after the rise of Adolf Hitler. In 1937 he sold a screenplay to Paramount Pictures and became a Hollywood screenwriter. He made his directorial debut during the war, and became known for films that challenged the limits of the Hays Code (*3)—the film noir Double Indemnity (1944) and The Lost Weekend (1945), the first major American film to seriously examine alcoholism. Sunset Boulevard, the tale of a silent era star who is unwilling to accept that her era is gone and dreams of a comeback, is another classic film noir.

*3 The Hays Code, or the Motion Picture Production Code, was a set of moral guidelines that Hollywood self-imposed on its movies between 1934 and 1968.

●All About Eve (1950)
Director/Screenplay: Joseph L. Mankiewicz

Eve, a country gal who dreams of becoming a big-time actress, manuevers her way into becoming the assistant, and later understudy, of Margo, a highly regarded but aging Broadway (*4) star. Slowly, Eve reveals her ruthless ambition and willingness to step on others to get what she wants. The film is notable for tackling topics like the ageism—especially towards women—prevalent in the entertainment business, and the struggle of women to return to household roles after making munitions during the war. It’s also interesting that Sunset Boulevard—a movie about the dark side of Hollywood—and All About Eve—a movie about the dark side of Broadway—both came out the same year.

*4 Broadway refers to Broadway theater, that is, theatrical productions in professional theaters near Broadway in Manhattan, New York City.

●A Streetcar Named Desire (1951)
Director: Elia Kazan

Based on a play written by Tennessee Williams (*5), this film casts the original Broadway actors in three of the four main roles, despite being a Warner Brothers production—a sign that the influence of the major movie studios was waning. A Streetcar Named Desire was Marlon Brando’s (*6) breakthrough film, elevating him to a major Hollywood film star. As the title suggests, it is about four characters who allow themselves to be at the mercy of their (sexual) desires—a sign that the Hays Code’s influence was also declining.

*5 Tennessee Williams (1911-1983) was an American playwright considered among the three top playwrights of 20th century American drama.

*6 Marlon Brando (1924-2004) was an American actor and film director regarded as one of the greatest actors of all time.

●High Noon (1952)
Director: Fred Zinneman

This western is the story of a newly married town marshal on the cusp of retirement who must face a gang of killers alone. Although he approaches a series of old friends and allies, none are willing to help; his wife, a devout Quaker and pacifist, leaves him. Critics point to the story as an obvious allegory against blacklisting. In fact, screenwriter Carl Foreman was called before the House Un-American Activities Committee during filming, but declined to name any names. After he was labeled an uncooperative witness, he moved to Britain.

●Singing in the Rain (1952)
Directors: Gene Kelly, Stanley Donen

This musical romantic comedy is about three Hollywood stars in the late 1920s attempting to make the transition from silent films to talkies. The scene where Gene Kelly (*7) sings the titular tune in the rain is one of the most famous scenes in Hollywood history. The film is notable for depicting an actor with a grating, heavily accented voice struggling to learn to “speak properly”, as well as for addressing the limitations of microphones at the time to pick up sound unless perfectly placed. Today, lip-syncing has come into vogue as a performance art of sorts both on social media platforms like TikTok and late night TV shows in the U.S.

*7 Gene Kelly (1912-1996) was an American actor, dancer, singer, choreographer, and movie director known for his energetic dancing style.



●Shane (1953)
Director/Producer: George Stevens

Before the war, George Stevens was known for directing commercial films with a light, comedic touch. During the war, Stevens was greatly affected by his experience shooting footage of D-Day and horrific scenes from the Dachau concentration camp. As a result of his experiences, his postwar films were mostly serious dramas. Like High Noon, Shane was a new kind of western that challenged genre tropes. The graphic violence and famous final scene where Shane rides off into the valley suggest that the invincible hero often portrayed in westerns was nothing but a myth.

●On the Waterfront (1954)
Director: Elia Kazan

Elia Kazan (*8) was born in Istanbul to Greek parents. After attending Yale School of Drama, he worked as an actor, later joining the Group Theatre in 1932 and co-founding the Actors Studio in 1947. Between 1934 and 1936, he was a member of the American Communist Party. During the Second Red Scare after the end of the war, Kazan was called to testify before the House Committee on Un-American Activities; Kazan eventually named eight former Group Theatre members that he said had been Communists. This move would cost Kazan many friends in the industry and cast a shadow on his work thereafter. But On the Waterfront, the story of a dockworker who comes to terms with his awakening conscience and stands up to the Mafia in court, suggests that Kazan believed that what he had done was right.

*8 Elia Kazan (1909-2003) was a Greek-American director, producer, writer, and actor known for co-founding the Actors Studio.

●Rebel Without a Cause (1955)
Director: Nicholas Ray

As I covered in part one of this article, after World War II there was mass migration of middle class families out to the suburbs. This film depicts the struggles of three middle-class teenagers in the suburbs of Los Angeles. Each in his or her own way is at odds with their parents; the parents, meanwhile, having worked hard to achieve the middle-class American Dream and provide for their kids, cannot understand why their children would rebel. The film’s star, James Dean (*9), died in a car accident a month before the film’s release.

*9 James Dean (1931-1955) was an American actor remembered as a cultural icon of teenage disillusionment.

●The Searchers (1956)
Director: John Ford

John Ford, who made documentaries like The Battle of Midway for the U.S. Navy during World War II, made a series of westerns starring John Wayne (*10) during his postwar years. Set in Texas right after the Civil War, The Searchers is the tale of a racist war veteran who spends years looking for his abducted niece after his brother’s family is killed by Comanches. However, Wayne’s character is more obsessed with revenge than rescue. When he eventually encounters his niece and she tells him that she wishes to remain with the Comanches, he tries to shoot her. The evolution of westerns beyond lone hero stories and poetic justice suggests that Hollywood was maturing.

*10 John Wayne (1907-1979) was an American actor, director, and producer known for his roles in westerns.

●12 Angry Men (1957)
Director: Sidney Lumet

In 1950s Hollywood, directors like John Huston and John Ford demonstrated the power of shooting on location. In contrast, films like 12 Angry Men—a courtroom drama that is set mostly in a single location—demonstrate that all you really need is a good script. The film tells the story of a jury of 12 men as they question their own morals and values during their deliberation of a case of a 18-year-old youth accused of killing his father. The film was shot on an extremely low budget within the span of a few weeks by an independent film company—all signs that the Hollywood studio system was floundering. In 1990, Japanese playwright Mitani Koki wrote a play entitled The Gentle Twelve as an homage.



●The Bridge on the River Kwai (1957)
Director: David Lean

This epic war film is a co-production between the U.S. and the U.K. It is the story of British POWs at a Japanese prison camp in Burma. It won seven Academy Awards, including Best Picture, Best Director, Best Screenplay Based on Material from Another Medium, and Best Actor. The script was written by Carl Foreman (the aforementioned screenwriter of High Noon) and later Michael Wilson; both Foreman and Wilson were on the Hollywood blacklist and had fled to the U.K., and had to work in secret. Many years later, they received the Academy Award posthumously.

●Some Like it Hot (1959)
Director: Billy Wilder

This romantic comedy set during Prohibition era America is the story of two jazz musicians (Tony Curtis and Jack Lemmon), who, in order to escape from mafia gangsters, decide to dress in drag in order to join an all-female band. They become obsessed with the band’s vocalist and ukulele player, played by Marilyn Monroe (*11). The film portrays cross-dressing and tackles topics like homosexuality, and was produced and ultimately released without a certificate of approval from the MPAA. The massive success of Some Like It Hot would spell the end for the Hays Code.

*11 Marilyn Monroe (1926-1962) was an American actress, model, and singer who is remembered as one of the most popular sex symbols of the 1950s and early 1960s.

●Psycho (1960)
Director/Producer: Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock made masterpieces in the pre-war period, during the war, and after the war, and we will cover him in greater detail in a future article. Among his works, Psycho is arguably the most well known. It is the story of real estate secretary Marion Crane, who steals $40,000 dollars in cash in order to help her boyfriend pay off his debts; when Marion stops at a Motel en route, she is murdered by a mentally troubled man with serious mother issues. As Paramount Pictures was less than enthusiastic about making the film, Hitchcock financed it through his own production company and used his Alfred Hitchcock Presents television series crew. The shower scene where Marion is murdered is one of the most famous scenes in cinema history.



●West Side Story (1961)
Director: Robert Wise, Jerome Robbins

This is a film adaptation of the Broadway musical with a story by Arthur Laurents, music by Leonard Bernstein (*12), and lyrics by Stephen Sondheim. It depicts the rivalry between two teenage street gangs—one comprised of Polish-Americans and the other by Puerto Rican-Americans. Bernstein was known for his outspoken political views and desire for social change, and had been involved in a number of left-wing causes and organizations during the war years. As a result, he was blacklisted in the early 1950s, but was taken off the list after investigations and a signed affidavit in which he fully denied any connections to Communists or sympathizers.

*12 Leonard Bernstein (1918-1990) was an American composer, conductor, and pianist regarded as one of the most important musical and cultural personalities of the 20th century.

●The Manchurian Candidate (1962)
Director: John Frankenheimer

This psychological political thriller was adapted from a 1959 novel of the same name. It is centered on a Korean War veteran and war hero; unbeknownst to those around him, the man has been brainwashed by Russian and Chinese communists and programmed as a sleeper agent. Released at the height of the Cuban Missile Crisis, this film captures the fear and paranoia harbored by Americans during the Cold War that their country would be undermined from within.

●To Kill a Mockingbird (1962)
Director: Robert Mulligan

Adapted from the classic 1960 novel by Harper Lee, To Kill a Mockingbird is the tale of a white lawyer in the South who is appointed to defend a black man accused of raping a white girl. Lee’s novel is widely read in middle schools and high schools in the U.S.; the story has been criticized for the fact that it is told through the naive eyes of a six-year-old girl—not the ideal character through which to address the complexity and nuances of the issue. Also, while many of the white characters are depicted as full human beings, the black characters only serve as victims of racial discrimination.

●Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb(1964)
Director/Producer/Screenwriter: Stanley Kubrick

This co-production between the U.K. and the U.S. is a black comedy satirizing Cold War fears and tensions of a nuclear conflict between America and the Soviet Union. It is the story of an unhinged U.S. Air Force general who orders a first-strike nuclear attack on the USSR; the U.S. president and his advisors scramble in an attempt to prevent the crew of a B-52 bomber from dropping nuclear warheads on the Soviets, but are ultimately unable to prevent an atomic holocaust. Kubrick (*13), an American, had made a name for himself as a director in the 50s, but he gradually came to dislike the Hollywood industry and moved to the U.K. in 1961. There, his first project was Lolita, a story centered on the cultural differences between “young” America and “old” Europe. Dr. Strangelove was his second.

*13 Stanley Kubrick (1928-1999) was an American film director, screenwriter, and producer regarded as one of the most influential filmmakers in history.

●The Sound of Music (1965)
Director: Robert Wise

This classic musical takes place in Austria in the 1930s against the backdrop of the Nazi’s rise to power. It is the story of Maria, a free-spirited postulant who takes a job as a governess to the von Trapps—a large family headed by a patriarch who takes a militaristic approach to raising his children. The story and the characters are based on true events, albeit with a heavy dose of Hollywood fantasy; critics gave mixed reviews of the film upon release, saying it played down the threat of Fascism and sugar-coated the actual tale. Given the global and generation-spanning success the film has enjoyed, it’s safe to say that sometimes, audiences just want to be swept up in the illusion. In contrast to Maria’s bright and bubbly personality, the films that would come out of Hollywood in the late 60s would take a darker turn.




5. 戦後のハリウッドの代表作

●『素晴らしき哉、人生!』 (1946年)
監督:フランク・キャプラ

第二次世界大戦後の1945年、キャプラは戦時中にアメリカ軍の映画班に所属していたウィリアム・ワイラーとジョージ・スティーヴンズと共に独立系の映画製作会社「リバティ・フィルムズ」を立ち上げ、映画製作を再開します。その第1作が、それまでのキャプラの集大成となるはずだった『素晴らしき哉、人生!』でした。しかし、本作は戦争を経験したばかりの世の中にとっては、感傷的過ぎたせいか、興行的には大失敗します。その結果、リバティ・フィルムズは、47年にパラマウント映画に吸収されることとなります。後にこの作品は事務的な手違いによってパブリック・ドメイン(※1)に解放されます。そのためクリスマスの時期になると必ずテレヴィで放送される定番となり、今では幅広い世代に愛されるキャプラの最高傑作とされています。

※1 パブリック・ドメインとは、知的財産権が発生していない状態または消滅した状態の知的創作物(著作物や発明など)のことをさす表現です。

●『黄金』 (1948年)
監督:ジョン・ヒューストン

同じく戦時中にアメリカ軍の映画班に所属していたヒューストンは、戦後の復帰作である『黄金』でアカデミー賞「監督賞」を受賞し、ハリウッドの最先端にいる監督として評価されます。メキシコのシエラ・マドレ山脈で一攫千金を夢見て金鉱を探し求める3人のアメリカ人山師たちの葛藤を追った本作は、恋愛の要素やハッピー・エンドもありません。当時ワーナー・ブラザーズの最大のスター俳優となっていたハンフリー・ボガート(※2)が惨めで疑い深い役柄を演じていることが話題となりました。また、この作品は当時としては珍しく撮影所ではなくロケイション撮影されたことでも知られています。冒険好きなヒューストンにとって撮影所の人工的なセット撮影では物足りなくなっていたのでしょう。

※2 ハンフリー・ボガート(1899年〜1957年)は、ニューヨーク出身のハリウッド映画の俳優です。



●『サンセット大通り』 (1950年)
監督:ビリー・ワイルダー

オーストリア=ハンガリー帝国領ガリツィアでユダヤ系の両親の間に生まれたワイルダーは、ベルリンで脚本家として映画界にデビューします。しかし、評価され始めた矢先にアドルフ・ヒトラー率いるナチスが台頭し、ワイルダーは1933年にフランスに亡命し、翌年にはアメリカに渡りました。37年にパラマウント映画に脚本を売り込むことに成功し、ハリウッドでシナリオ・ライターとして活躍するようになります。第二次世界大戦中に監督としてもデビューし、フィルム・ノワールの傑作とされる『深夜の告白』(1944年)、アルコール依存症の恐怖を描いた『失われた週末』(1945年)など、ヘイズ・コード(※3)のギリギリを行くような話題作を発表しました。サイレント映画時代の大女優であった主人公が過去の栄光に固執し、時代が変わったことを受け入れられずに葛藤する『サンセット大通り』もフィルム・ノワールの傑作とされています。

※3 ヘイズ・コードとは、1930年代からアメリカの映画界で導入されていた自主規制条項のことです。

●『イヴの総て』 (1950年)
監督/脚本:ジョセフ・L・マンキーウィッツ

田舎から出てきた大物女優になることを夢見るイヴは、ブロードウェイ(※4)の大女優でキャリアの岐路に立っているマーゴの付き人となります。次第にイヴは冷酷なまでに野心的な本性を表して行き、マーゴを踏み台にしてまでも駆け上がろうとします。本作はアメリカのエンタメ業界における、女優に対する年齢差別が大きなテーマとなっています。また、戦時中は戦争に出兵した男性労働者たちに代わって、女性たちが弾薬や軍事物資の生産を行なっていたのに、戦後になるとまた家庭的な役割を果たすように求められました。こうした当時の女性の葛藤を描いた作品でもあります。ハリウッドの影の部分を描いた『サンセット通り』とブロードウェイの影の部分を描いた『イヴの総て』が同じ年にリリースされたことはとても興味深いことです。

※4 ブロードウェイとは、ニューヨーク市マンハッタン区にあるブロードウェイ周辺の劇場を指す表現です。

●『欲望という名の電車』 (1951年)
監督:エリア・カザン

テネシー・ウィリアムズ(※5)による同名の戯曲を原作とした本作は、ワーナー・ブラザーズ製作でありながら、主人公の4人のうちの3人は演劇版の俳優をそのまま起用しました。舞台設定には劇場版のセットを転用しており、映画会社の影響力が次第に揺らぎ始めていたことを示しています。本作は演劇版にも出演していたマーロン・ブランド(※6)の出世作として知られています。また、題名が示唆するように、物語は“欲望”(性欲)に溺れる主人公たちの関係を描いた作品で、ヘイズ・コードの影響力も落ちつつあったことを物語っています。

※5 テネシー・ウィリアムズ(1911年〜1983年)は、アメリカの劇作家です。

※6 マーロン・ブランド(1924年〜2004年)は、アメリカの映画俳優です。「20世紀最高の俳優」とも称されます。

●『真昼の決闘』 (1952年)
監督:フレッド・ジンネマン

本作は保安官が1人で殺し屋4人と立ち向かう西部劇です。主人公はそれまでの西部劇の無敵のヒーローとは違って、普通の人間として描かれています。彼は共に戦ってくれる協力者を探すものの、町の住民は関わり合いを恐れて手助けをすることを拒みます。結婚式を挙げたばかりなのに新妻に見放されてしまい、この保安官は、たった1人で4人組の悪党と戦うこととなります。こういった内容のため、本作はハリウッドのブラックリストを批判したストーリーだと指摘する声が多くあります。実際、脚本を担当したカール・フォアマンは、撮影中に赤狩りの対象となり、英国に亡命しました。

●『雨に唄えば』Singing in the rain (1952年)
監督:ジーン・ケリー、スタンリー・ドーネン

サイレント映画から“トーキー”に移る時代のハリウッドの舞台裏を描いた本作は、ミュージカル映画の最高傑作の1つとされます。主役も務めているケリー(※7)が土砂降りの雨の中で主題歌を歌うシーンは、映画史に残る名場面として知られます。また、“声質”が命となるサウンド映画に適用しようとする俳優の苦労や、当時のマイクロフォンの性能の限界などが描かれている点でもとても興味深い作品です。現在は、あらかじめ録音された歌に合わせて口を動かす“リップ・シンク”(口パク)は、TikTokなどのSNSで流行したり、アメリカのテレヴィの深夜のトーク・ショーでも、“パフォーマンス”として定着しています。

※7 ジーン・ケリー(1912年〜1996年)は、アメリカの俳優、ダンサー、振付師、歌手です。



●『シェーン』 (1953年)
監督/製作:ジョージ・スティーヴンス

本作も『真昼の決闘』と同じように、西部劇の新たなスタイルを示した傑作とされています。スティーヴンズは戦前、コメディ・タッチの商業映画の監督として知られていました。しかし第二次世界大戦中には、西部戦線で連合軍の進撃に随行し、ダッハウ強制収容所では戦争の凄惨な現実の記録撮影に従事しました。こういった体験を得て、戦後のスティーヴンズは、シリアスなドラマを製作するようになります。本作の暴力的で激しい格闘の描写は話題となります。シェーンが町を去る有名なラスト・シーンは、西部劇における“無敵なヒーロー像”は神話でしかないことを表しています。

●『波止場 』 (1954年)
監督:エリア・カザン

オスマン帝国(現在のトルコ)で暮らすギリシャ人の家庭に生まれたエリア・カザン(※8)は、4歳の時にアメリカに移住しました。イェール大学などで演劇を学んだ後、舞台俳優としてデビューし、その頃に一時期アメリカ共産党に入党していました。第二次世界大戦後の赤狩りの際には、カザンは自らに対する疑惑を晴らすために下院非米活動委員会と司法取引し、共産主義思想の疑いのある友人の映画監督、俳優、劇作家、演出家ら11人の 名前を委員会に提示しました。この行為は、後のカザンのキャリアに暗い影を落とすこととなります。1人の労働者が良心に目覚め、マフィアに立ち向かって法廷で証言台に立つ様子を描いた『波止場』には、自分がやったことは正しかったというカザンの主張も込められています。

※8 エリア・カザン(1909年〜2003年)は、トルコ生まれのギリシャ系アメリカ人の俳優、演出家、映画監督です。

●『理由なき反抗』Rebel Without a Cause (1955)
監督:ニコラス・レイ

このコラムの前半でも、第二次世界大戦後に多くの中産階級の家族が都会から郊外へと移住したことについて触れましたが、本作はカリフォルニアの郊外を舞台に、両親との確執から不良となったり、意味のない度胸試しに明け暮れる若者たちの日常を描いています。親たちは、努力してアメリカン・ドリームを成し遂げ、快適な生活を手に入れたはずなのに、その子供たちの世代は、反抗を繰り返しています。こうした当時のジェネレイション・ギャップをテーマにしたこの作品は高い評価と人気を得ます。主役のジェームズ・ディーン(※9)は、本作の公開の約1ヶ月前に交通事故で亡くなり、伝説の俳優となりました。

※9 ジェームズ・ディーン(1931年〜1955年)は、アメリカの俳優です。若者の鬱屈や反抗を象徴する存在として知られます。

●『捜索者』 (1956年)
監督:ジョン・フォード

戦時中に『The Battle of Midway』などのドキュメンタリー映画を監督したジョン・フォードは、戦後、ジョン・ウェイン(※10)を主役とした西部劇を多く監督したことで知られています。中でも南北戦争の後のテキサス州を舞台にした『捜索者』はその最高傑作とされています。アメリカの先住民に対して強い偏見を持つ主人公は、弟の一家がコマンチ族に虐殺されると、連れ去られた姪を探す旅に出かけます。しかし男の目的は彼女を救い出すこと以上に復讐をすることでした、ようやく会えた姪が今ではコマンチ族の一員となったと知ると、男は彼女を裏切り者として殺そうと思います。西部劇という古典的ハリウッドのジャンルの作品でありながら、単純な勧善懲悪の物語でないところにハリウッドの成熟が見受けられます。

※10 ジョン・ウェイン (1907年〜1979年)は、アメリカの俳優、映画プロデューサー、映画監督です。

●『十二人の怒れる男』12 Angry Men (1957年)
監督:シドニー・ルメット

50年代のハリウッドでは、ジョン・ヒューストンやジョン・フォードがロケイション撮影の可能性を切り開いたその一方で、ほとんどの出来事が1つの部屋で繰り広げられる本作は「脚本の面白さが全て」であることを主張しているような“法廷モノ”です。父親を殺した罪に問われた少年の裁判で、12人の審査員が判決に達すまで一室で議論する様子が描かれています。超低予算で済んだ制作費、わずか2週間ちょっとで独立系の映画会社によって製作されたことは、古典的ハリウッドのストゥディオ・システムの衰退を物語っているともいえます。日本でも筒井康隆が『12人の浮かれる男』三谷幸喜が『12人の優しい日本人』というオマージュ作品を製作しています。



●『戦場にかける橋』The Bridge on the River Kwai (1957年)
監督:デヴィッド・リーン

アメリカと英国の合作映画である本作は、第二次世界大戦中、タイとビルマの国境付近にあった捕虜収容所を舞台に、日本軍と英国軍の対立と交流を描いた戦争映画です。アカデミー賞「作品賞」「監督賞」「脚色賞」「主演男優賞」など7部門を受賞しました。脚本を担当したカール・フォアマン(前述の『真昼の決闘』の脚本も担当した人物です)とマイケル・ウィルソンはハリウッドのブラックリストに載せられており、当時英国に亡命していました。そのため2人は匿名で執筆した作品です。2人が死去した後にようやくアカデミー賞の受賞が認められました。

●『お熱いのがお好き』Some Like it Hot (1959年)
監督:ビリー・ワイルダー

禁酒法時代のアメリカを舞台にした本作は、マフィアに追われるジャズ・ミュージシャン2人(トニー・カーティスとジャック・レモン)が、シカゴから逃げ出すために女装して女性楽団に潜り込み、マリリン・モンロー(※11)が演じる女性歌手に恋をしてしまうというコメディ映画です。女装やギャンブルを描いたり、同性愛をモチーフとするなど、思いっきりヘイズ・コードに触れる内容となっています。そのため本作はMPAA(アメリカ映画協会)の承認なしで上映されました。しかし、この作品が大ヒットしたことで、ヘイズ・コードの威力は決定的に弱まりました。

※11 マリリン・モンロー(1926年〜1962年)は、アメリカの女優、モデルです。50年代〜60年代前半を代表するセックス・シンボルとして知られます。

●『サイコ』Psycho (1960年)
監督/製作:アルフレッド・ヒッチコック

戦前・戦時中・戦後のそれぞれの時代に傑作を残したヒッチコックという監督については別のコラムで詳しく取り上げますが、彼の作品の中でも『サイコ』は最高傑作とされます。不動産会社のOLとして働く主人公が、恋人と結婚するために大金を持ち逃げするものの、たまたま立ち寄ったモーテルで病的なマザー・コンプレックスの殺人者に殺されるというストーリーのサイコ・スリラー映画です。当時パラマウント映画は、本作の制作に消極的であったため、ヒッチコックは当時プロデュースしていたテレヴィのミステリー・ドラマ・シリーズ『ヒッチコック劇場』のスタッフとテレヴィ用のセットを転用し、自らの制作会社を通して低予算で制作することにしました。主人公のマリオンが殺人されるシャワー・シーンは映画史に残る印象的な場面として知られています。



●『ウエスト・サイド物語』West Side Story (1961年)
監督:ロバート・ワイズ、ジェローム・ロビンズ

本作はアメリカの作曲家レナード・バーンスタイン(※12)の音楽によるブロードウェイ・ミュージカルの映画化作品です。ポーランド系アメリカ人の少年で構成されているギャングと、プエルトリコ系アメリカ人のギャングが、地元の広場の占有権を巡って敵対する物語です。バーンスタインは第二次世界大戦中に進歩的な政治活動に精力的に参加したことから、政府の情報機関の監視を受け、50年代には一時ブラックリストに載っていました。しかし宣誓陳述書で共産主義者との繋がりを全面否定し、ブラックリストから名前が削除されることとなりました。

※12レナード・バーンスタイン(1918年〜1990年)は、ユダヤ系アメリカ人の作曲家、指揮者で、20世紀後半のクラシック音楽界を代表するスター音楽家として知られます。

●『影なき狙撃者』The Manchurian Candidate (1962年)
監督:ジョン・フランケンハイマー

1959年の同名の小説を原作としたサイコ・スリラー映画です。朝鮮戦争で戦ったアメリカ軍の英雄が、実は捕虜にされている間にソビエト連邦軍に洗脳され、無意識下でアメリカの政治家を暗殺するというストーリーです。ソ連とアメリカの間の緊張が最高潮まで高まり、核戦争寸前まで達した「キューバ危機」の時期に公開されたため、冷戦時代のアメリカ人が抱いていたパラノイアや恐怖心を見事に捉えています。

●『アラバマ物語』To Kill a Mockingbird (1962年)
監督:ロバート・マリガン

ハーパー・リーによる1960年の小説を原作とした本作は、人種差別が根強く残る1930年代のアメリカ南部を舞台に、白人女性への性的暴行容疑で逮捕された黒人の青年の事件を担当する白人弁護士の葛藤を描いた“法廷モノ”です。『アラバマ物語』は黒人が直面する人種差別の現実を描いている作品として長い間アメリカの学校で教材として使われています。しかし、同時にこの物語では白人弁護士の子供のナイーヴな視点から描かれていることや、白人の登場人物は“人間”として描写されているのに対して、黒人の登場人物は“人種差別の被害者”という薄っぺらい描写がされている点が長年、問題視されています。

●『博士の異常な愛情 または私は如何にして心配するのを止めて水爆を愛するようになったか』 (1964年)
監督/製作/脚本:スタンリー・キューブリック

英国とアメリカの合作映画として製作された本作は、キューバ危機によってピークに達していた冷戦の緊張状態を舞台としたブラック・コメディです。精神に異常をきたした米国空軍基地の司令官がB-52戦略爆撃機にソビエト連邦への核攻撃を命令すると、アメリカ大統領やその側近はそれを阻止しようとするものの、結局人類の滅亡を招いてしまうというストーリーが白黒で描かれています。50年代に映画監督として台頭したキューブリック(※13)は、ハリウッドの映画産業に嫌気がさし、1961年に英国に移住しました。そこで最初に監督した作品が、アメリカとヨーロッパの文化的な違いを描いた 『ロリータ』で、2作目が本作でした。

※13 スタンリー・キューブリック (1928年〜1999年)は、アメリカの映画監督、脚本家、プロデューサーです。映画史を代表する監督として知られます。

●『サウンド・オブ・ミュージック』The Sound of Music (1965年)
監督:ロバート・ワイズ

本作はナチスが台頭した1930年代のヨーロッパを舞台にしたミュージカル作品です。7人の子供たちを軍隊のように厳しく躾けるトラップ大佐と、トラップ家の家庭教師となったお転婆の修道女見習いのマリアの関係を描いた実話に基づいた作品です。もちろん実話に基づいているものの、大幅に内容はアレンジされており、発表当初は映画評論家は「ファシズムの脅威を薄めた、甘すぎるハリウッドのファンタジー」と批判しました。しかし本作が世界的に大ヒットし、今でも世代を超えて愛されていることを見ると、人は時にしてハリウッドに“騙されたい”ことが分かります。どこまでも明るいマリアとは対照的に、60年代の後半になるとハリウッドの映画作品はだんだん暗い方向に進むこととなります。





6. Epilogue

As we’ve seen in this article, the influence of the Hays Code declined rapidly in the decade that followed the end of World War II.

Initially, the U.S. government attempted to stave off the spread of Soviet Communism into Western Europe by exporting more and more Hollywood films as part of the Marshall Plan. In response, the governments of countries like the U.K., France, and Italy passed laws to limit the number of Hollywood films that could be imported.

Meanwhile, in the U.S., the studio system was being dismantled, giving rise to independent film companies that explored the limits of what was allowed under the Hays Code. Foreign films that were imported in the U.S. were not bound by the Hays Code, and could thus tackle more taboo topics. With the rise of television, Hollywood was backed into a corner. In order to compete, it had to produce edgier films. Then in 1952, the United States Supreme Court ruled that movies were protected under the First Amendment. All of these factors combined brought about the phasing out of the Hays Code.

In the second half of the 1960s, changing social attitudes and values led to the Hays Code being abandoned entirely. In its place, the MPAA (the Motion Picture Association of America) implemented a new system with the following ratings:

・G: General audiences, meaning all ages admitted
・PG: Parental guidance suggested
・PG-13: Parents strongly cautioned
・R: Restricted, meaning those under 17 require an accompanying parent or guardian
・X (NC-17): No one under 17 admitted

This rating system is still used today, and the MPAA is especially strict when it comes to sexual or violent content, or the use of four-letter words.

For those interested in a closer look at this rating system, I recommend the 2006 documentary This Film is Not Yet Rated, which examines the effect the system is having on American society. In the process, they uncover many contradictions and examples of double standards, such as how major studio films are treated differently from independent films, how films depicting heterosexual love are treated differently than those depicting homosexual love, and how violence is increasingly allowed but sex remains taboo. It also comes to light that included on the appeals board, alongside movie studio and distribution company executies, are two members of the clergy—one Protestant, and one Catholic—who serve as advisors.

It’s often said that Japan has been stuck in a perpetual “postwar” state, forever living in the shadow of the U.S. despite its period of rapid economic growth. But in terms of movie rating systems, it’s clear that it is the U.S. that remains stuck in a postwar mindset. The Hollywood entertainment industry—largely founded and shaped by Jewish-American immigrants—continues to be shackled by Protestant ethics (*14).

*14 A protestant is a member of any of the Christian groups that separated from the Catholic Church during the Reformation, or of any group that descended from them.

When you look at the racism and social unrest in American society today, it becomes clear that discrimination based on race remains deeply rooted in the American identity, going back to the European immigrants that came to the U.S. in the first half of the 20th century, the Native Americans during the Frontier Era, and African slaves brought against their will to America hundreds of years ago. Hollywood may have produced many classic films during this postwar era, but American society has been going around in circles and calling it progress—a cheap, B-movie trick if I ever saw one.

6.エピローグ

今回のコラムで見てきたように、第二次世界大戦後の10年間でヘイズ・コードの影響力は急速に低下していきました。

アメリカ政府は西ヨーロッパをソビエト連邦の共産主義から防御し、資本主義と民主主義を定着させるためにハリウッド映画などのアメリカ文化を積極的に西ヨーロッパに輸出しようとしました。これに対して英国、フランス、イタリアなどは自国の映画産業の成長を守るために輸入されるハリウッド映画に制限をかけます。同時期にハリウッドのストゥディオ・システムが解体されると、独立系の映画会社が台頭するようになり、時にはヘイズ・コードのギリギリを行くような映画づくりに挑みました。

また、海外からアメリカに輸入される映画作品はヘイズ・コードに縛られていなかったため、それまでタブーとされていたようなテーマや描写を取り入れることができました。一方でテレヴィが一般家庭に普及する中、ハリウッドはよりエッジの効いた作品を作らざるを得ない状況に追い込まれます。1952年に最高裁の判決で映画作品はアメリカ合州国憲法修正第1条によって表現の自由が守られると言う判決が下されると、ヘイズ・コードの束縛は徐々に解かれていくこととなりました。

こういった業界内の事情に加え、60年代には社会的道徳観が大きく変わり、60年代後半にはヘイズ・コードは完全に破棄されることとなります。その代わりにMPAA(アメリカ映画協会)は、1968に新しいレイティング・システムを導入しました。その区分としては以下の指定があります:G(一般指定)、PG(成人保護者の助言や指導が適当)、PG-13 (13歳未満の子供の鑑賞については保護者の厳重な注意が必要)、R(17歳未満の鑑賞には保護者の同伴が必要)、X(のちにNC-17、17歳以下の鑑賞は全面的に禁止)。このシステムは現在も使われており、性的描写や暴力のシーン、そして卑語が特に厳しく制限されています。

近年は、アメリカ国内でこのシステムに対する批判の声が増しています。このトピックに関しては2006年に発表されたドキュメンタリー映画『This Film is Not Yet Rated』がオススメです。レイティング・システムがアメリカ社会にもたらしている影響に迫ったこの作品の中では、システムの様々な矛盾やダブル・スタンダードが浮き彫りにされています。審査会は大手映画会社と独立系の映画会社の作品に対する基準が異なったり、異性愛者を描いた作品と同性愛者を描いた作品の取り扱いが違ったり、暴力シーンに対しては比較的緩いのに性的描写は厳しく取り締まっている点などが取り上げられています。驚くことに、指定に対する控訴を聞き入れる匿名の審査会には、映画製作会社や配給会社の経営者らに加え、プロテスタント系とカトリック系の聖職者もアドバイザーとして参加していることも判明します。

日本は第二次世界大戦後に高度経済成長を遂げたものの、それでもいつまで経ってもアメリカとは対等になれず、“戦後”の時代を抜け出せない“遅れている国”であるとよく指摘されます。しかし映画のレイティング・システムだけを見ると、アメリカこそが“戦後”の時代を抜け出せずにいるということが言えるのではないでしょうか。ユダヤ系の移民を中心に一大産業に育てられたハリウッドが、未だにプロテスタンティズム的価値観(※14)に縛られていることが分かります。

※14 プロテスタントとは、16世紀にローマ・カトリック教会に抗議して分離したキリスト教各派、及びその信徒の総称です。

また、現在アメリカ各地に見られる人種間の軋轢を見ると、戦前の時代からあったヨーロッパからの“エイリアン”(移民)に対する差別意識、西部開拓時代に見られるアメリカの先住民に対する差別意識、そしてアフリカから強制的に奴隷として連れてこられたという歴史を持つ黒人に対する差別意識が、今もなお根強く残っていることが分かります。ハリウッドは戦後の時代にもA級の名作を数多く世に送り出しましたが、アメリカ社会そのものはB級映画の陳腐な演出かのように、同じ舞台を堂々巡りしているのです。

keywords

#HistoryOfCinema #MovieDirectors
#Filmmakers #FrankCapra
#JohnHuston #BillyWilder
#JosephLMankiewicz #EliaKazan
#FredZinnemann #GeneKelly
#GeorgeStevens #NicholasRay
#JohnFord #SydneyLumet
#DavidLean #AlfredHitchcock
#RobertWise #JohnFrankenheimer
#RobertMulligan# StanleyKubrick

#映画史 #映画監督
#フランクキャプラ #ジョンヒューストン
#ビリーワイルダー #ジョセフLマンキーウィッツ
#エリアカザン #フレッドジンネマン
#ジーンケリー #ジョージスティーヴンス
#ニコラスレイ #ジョンフォード
#シドニールメット #デヴィッドリーン
#アルフレッドヒッチコック #ロバートワイズ
#ジョンフランケンハイマー #ロバートマリガン
#スタンリーキューブリック




CINEMA & THEATRE #034

Spoken Readings for Japanese Study
The Golden Age of Hollywood/1945-1965 (Part two) - The History of World Cinema (2)
ハリウッドの黄金期/戦後編 (後編) – 世界の映画史(2)
2020/07/27


CINEMA & THEATRE #034

英語力がドンドンつく学習法
The Golden Age of Hollywood/1945-1965 (Part two) - The History of World Cinema (2)
ハリウッドの黄金期/戦後編 (後編) – 世界の映画史(2)
2020/07/27



SHARE
FOLLOW