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2020/07/27  #033
The Golden Age of Hollywood/1945-1965 (Part one) - The History of World Cinema (2)
ハリウッドの黄金期/戦後編 (前編) – 世界の映画史(2)



*Scroll to the end of the text for our video language lessons
※動画レッスンは、テキストの最後にあります


1. Prologue

In the previous entry in this series (CINEMA & THEATERS #031 and #032) I wrote about Hollywood during World War II. During the war the American film industry made many films for propaganda (*1) purposes—either directly or indirectly supporting the American war effort. The documentary films covering the war directly portrayed the Axis powers (*2) either as evil or as laughingstocks in order to boost morale among the U.S. army and the general public. Meanwhile, commercial films carried patriotic messages meant to rally the public and convince them that the U.S. and its allies were fighting for justice, freedom, and democracy. And animated shorts enlisted popular animated characters in order to encourage the public to buy war bonds (*3). Through such films Hollywood played a decisive role in the American victory.

*1 The term propaganda refers to communication that is used to influence an audience and further an—often political—agenda.

*2 The Axis powers were the nations that fought in World War II against the Allies, and included Germany, Japan, and Italy.

*3 War bonds are debt securities issued by a government to finance military operations in times of war.

After the war, classical Hollywood matured, both as an industry and as a creative medium. This was led by the generation of directors that had risen to prominence in the 30s and 40s. Auteurs like Orson Welles (*4) innovated a new approach to the cinematic language through his distinctive camerawork. European directors like Fritz Lang and Billy Wilder, who had fled to the U.S. to escape the widening influence of the Nazis (*5), brought with them their unique creative energy. In the 40s, in contrast to the optimistic tales and happy endings that had become standard, these directors produced films that were darker and more geared for adult audiences. Finally, the directors who had been making documentaries for the U.S. Army—Frank Capra, William Wyler, John Ford, John Huston, and George Stevens—came back to Hollywood and within a few years would direct the films that would generally be considered their masterpieces.

*4 Orson Welles (1915-1985) was an American actor, director, and writer best known for the film Citizen Kane.

*5 The Nazi Party, or the National Socialist German Workers’ Party, was a far-right political party in Germany that was active between 1920 and 1945.

The two decades following the war were also a tumultuous period for Hollywood as an industry. Its success in raising morale during the war signaled to the U.S. government that movies could and should be used for a greater purpose: spreading the ideals of freedom and democracy. Shortly after the end of the war the Supreme Court ruled that the eight major movie studios were in violation of the Sherman Antitrust Act. The studios were forced to let go of their theater chains and forbidden to engage in certain practices that had allowed them to control the market for so long.

The end of World War II also segwayed into the beginning of the Cold War (*6) between the United States and the Soviet Union. Anti-Communist fervor was stirred up within America and authorities started going after suspected Communists (*7) and sympathizers (*8) in what is called the Second Red Scare. The creation of a Hollywood Blacklist forced many out of the industry for years—or for good. And on top of all that, to add insult to injury, the rise of television as a form of mass media would shake the movie industry to its core.

*6 Cold War was a period of geopolitical tension between the communist Eastern Bloc, led by the Soviet Union, and the capitalist Western Bloc, led by the United States.

*7 Communism is a philosophical, social, political, and economic ideology whose main aim is the common ownership of the means of production and the absence of social classes.

*8 A Red Scare is the promotion of widespread fear of a potential rise of communism or anarchism within a society or state.

In this article I will cover the years between 1945, when World War II ended, to around 1965, when the Golden Age of Hollywood came to a decisive end.


1. プロローグ

前回(CINEMA & THEATRES #031と#032)では、第二次世界大戦中のハリウッドを取り上げました。戦時中にアメリカの映画産業は政治的プロパガンダ(※1)のための映画を数多く製作しました。戦場の様子をアメリカにとって有利に見えるように、枢軸国(※2)を“悪”あるいは“笑い者”として描きました。こうした映像によって、アメリカの国民と軍隊の士気は高まりました。一般向けの商業映画も、この戦争を支援・支持するように利用されました。愛国心や国民の団結を促したり、アメリカや連合国は“正義”や“自由”や“民主主義”のために戦っていたことを伝えました。また、映画館で長編映画の間に上映されていた短編アニメイション作品でも、ディズニーなどの人気キャラクターを利用し、戦時公債(※3)の購入を呼びかけました。このようにして、ハリウッドの映画産業はアメリカの戦勝に大きく貢献しました。

※1 戦争時のプロパガンダとは、戦意高揚を促す映像やポスターなどのことを指します。

※2 枢軸国とは、第二次世界大戦時に連合国と戦ったドイツ、日本、イタリア、フィンランド、ハンガリー、ルーマニア、ブルガリア、タイなどを指す表現です。

※3 戦時公債とは、政府が戦争に必要な軍事費用を調達するために発行する債券のことです。

第二次世界大戦を経て、ハリウッドは成熟期を迎えることとなります。オーソン・ウェルズ(※4)のような天才的な“演出家”は画期的な映画表現を試みました。ナチス(※5)の迫害から逃れてアメリカにやってきたフリッツ・ラングやビリー・ワイルダーなどを含めるヨーロッパの映画監督もハリウッドに新鮮な空気を持ち込みました。彼らはそれまでハリウッドが大量生産していた明るくて楽観的な“夢”とは異なる、暗くてある種の疑心が漂う“大人の作品を世に送り出しました。また、戦時中にアメリカ軍に所属し、プロパガンダ用のドキュメンタリー映画なども製作していたフランク・キャプラ、ウィリアム・ワイラー、ジョン・フォード、ジョン・ヒューストン、ジョージ・スティーヴェンズらは、戦線から戻ると、そのすぐ後に自身にとって最高傑作と呼ばれる作品を次々と製作しています。

※4 オーソン・ウェルズ(1915年〜1985年)は、アメリカの映画監督、脚本家、俳優です。

※5 ナチス、または国家社会主義ドイツ労働者党とは、1919年から1945年まで存在したドイツの極右の政党です。

一方で、戦後の20年間はハリウッドにとって波乱の時代でもありました。ハリウッドの8大ストゥディオによる映画市場の独占は、1930年代半ばから既に問題視されていました。第二次世界大戦の勃発で一旦保留になっていましたが、戦時中に映画というものが“自由”や“民主主義”などアメリカ的な価値観を拡散させるための道具となることに気づいたアメリカ政府は、戦後に映画産業に介入するようになります。

世界の政治は、第二次世界大戦が終わると、アメリカとソ連の間を中心とした冷戦(※6)が始まります。米国内では共産主義に対する拒絶反応が起こり、“赤狩り”(レッド・パージ)(※7)へと発展し、ハリウッドでも共産主義者(※8)や“シンパ”の“ブラックリスト”が作られました。ブラックリストに載っていた人々は、映画業界からじわじわと消えていくこととなります。こうしたスキャンダルで揺らいでいた映画業界に更なる追い討ちをかけたのが、テレヴィの普及でした。

※6 冷戦とは、第二次世界大戦後の世界を二分した、資本主義の西側諸国と共産主義・社会主義の東側諸国の対立構造のことです。

※7 赤狩りとは、政府などが国内の共産党員、あるいは共産主義のシンパを、公職を代表とする職などから追放することです。

※8 共産主義とは、コミュニズムとも呼ばれる思想・政治体制のひとつで、財産の一部または全部を共同所有することで平等な社会を目指すシステムのことです。

今回は、ハリウッドの黄金時代の後期に当たる、第二次世界大戦が終わった1945年から、“古典的”ハリウッドが終わったとされる60年代末までの期間の作品を取り上げます。



2. The Decline of the Hollywood Studio System

In the 1920s, Hollywood’s major movie studios expanded the scope of their businesses to exercise control over production, distribution, and exhibition; they became vertically integrated (*9) conglomerates. The so-called studio system was comprised of eight major movie studios: the Big Five—Paramount Pictures, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Warner Brothers, 20th Century Fox, and RKO—and the Little Three—Universal Pictures, Columbia Pictures, and United Artists. These eight studios owned their own production lots, distribution systems, and theater chains in major cities across the U.S. Their dominance left little room for independent companies to establish a foothold in the industry. (The Little Three did not own major movie theater chains and to one extent or another relied on the Big Five for distribution, but they were allowed to exist undisturbed.)

*9 Vertical integration is an arrangement in which the supply chain of a company is owned by that company.

The studio system was supported by business practices like block booking and blind bidding—where independent theater owners were essentially forced to take large numbers (usually 20 films or more) of a studio’s movies without getting to see the movies first. In some cases theaters were forced to acquire a year’s worth of movies ahead of time.

For theaters, this meant acquiring a handful of quality pictures along with a quantity of less attractive titles; because the movies were being sold in advance, many of them were still in the pre-production phase (*10). The theaters would then be required to exhibit the films according to a pre-determined schedule for only a pre-determined period. It was a major shift from the Nickelodeon days of the silent film era, when it was up to exhibitors to put together a program of shorts and newsreels. In exchange for being guaranteed delivery of a certain amount of films over a certain period, exhibitors had to give up their ability to select their programs—or to use our modern parlance, curate.

*10 Pre-production refers to all of the work that is done before shooting begins.

*11 For more on silent films check out CINEMA & THEATRE #027.

For major studios, movie theaters had become their biggest source of income. Practices like block booking guaranteed that their films would be exhibited—which meant they could make the profits that would allow them to grow and finance another season of films. The catch for studios was that they were now bound to produce a large number of films on a tight schedule. As a result, studios produced “A” pictures starting their most bankable stars and reliable filmmakers, alongside a large number of “B” pictures (*12) that were mass produced and considerably inferior—or merely adequate—in terms of quality. Blind bidding guaranteed that even those “B” pictures would be exhibited for a period of time. Meanwhile, no matter how successful a film was, independent exhibitors were not allowed to extend exhibition periods.

*12 A B movie is a low-budget commercial film, often considered inferior to big budget pictures, and meant to appeal to fans of a particular genre.

In 1938, the Justice Department’s antitrust division filed a suit, United States v. Paramount Pictures, Inc. et al., which charged the eight major Hollywood studios with violating the Sherman Antitrust Act. (The case is often shortened to the Paramount Case.) In 1940, the Big Five, in an attempt to settle the case, signed a consent decree that established that blocks would be no larger than five films, and that they could not force independent theaters to acquire shorts and newsreels along with features. In practice, however, the studios did not fully comply with the consent decree, and the government resumed prosecution in 1943. World War II would put the case on hold for a few years, until it went to trial one month after the war’s end. The case reached the U.S. Supreme Court in 1948, which ruled against the movie studios and forced all of them to divest themselves of their movie theater chains. This ruling would be the beginning of the end to the studio system that had governed Hollywood for four decades.

Meanwhile, measures were taken overseas to further curtail the major Hollywood studios’ monopoly over the market. During most of the Golden Age of Hollywood, about 40% of its profits came from overseas markets. When World War II demonstrated that Hollywood could be harnessed to rally people under the flag, the U.S. government realized that it had the potential to exercise its influence internationally. In 1948, the U.S. passed the Marshall Plan (officially known as the European Recovery Program), which involved America transferring a large amount of aid to help Western European economies recover. From the U.S. perspective, the goal was not just to help rebuild war-torn regions but to remove trade barriers, modernize industry, and prevent the spread of Communism by extending the reach of the American brand of democracy. That last part involved exposing Western European countries to more Hollywood movies and rock ’n’ roll. In response, countries like the U.K., France, and Italy passed laws to limit the number of Hollywood film imports in order to protect and cultivate their own domestic movie industries. This would be a second major blow to the Hollywood studio system.



2. 長編映画と共に上映された“ニューズ映画”

1920年代に入って、ハリウッドの大手映画会社は映画の製作・配給・興行を一貫してコントロールする、垂直統合(※9)された“ストゥディオ・システム”というビジネス・モデルを確立していきます。大手映画ストゥディオとは、“ビッグ・ファイヴ”と呼ばれたパラマウント映画、メトロ・ゴールドウィン・メイヤー(MGM)、ワーナー・ブラザーズ、20世紀フォックス映画、RKOと、“リトル・スリー”と呼ばれたユニバーサル・スタジオ、コロンビア映画、ユナイテッド・アーティスツのことです。この8社はそれぞれ撮影所(文字通りの“ストゥディオ”)に加え、配給システムと劇場のチェーンを所有するようになり、その劇場のネットワークを徐々に全米の都市部に拡大させていきました。更に、あの手この手を使って独立系興行主の自由を妨げていました。(“リトル・スリー”の劇場網は比較的小規模なもので、”ビッグ・ファイヴ”に頼る面もあったものの、その存在が認められていました。)

※9 垂直統合とは、ある企業が製品やサービスを市場に供給するためのサプライチェーンに沿って、上流から下流までを統合して競争力を強めるビジネスモデルのことです。

一握りの大手映画会社がアメリカの映画市場を独占するというストゥディオ・システムを成り立たせることができた1つの理由が、“ブロック・ブッキング”という戦術でした。ブロック・ブッキングとは、配給側と上映側の間で結ばれる映画作品の一種の賃貸協定です。製作会社が直営館と系列館以外の劇場に対して、複数(当初は20本以上)の作品の一括予約を押し付ける慣行のことです。1年間の作品の予約を強いられるケースもあったそうです。

これは、劇場側からすると、まだストーリーの肩書きと出演者しかわからない“プリプロ”段階(※10)の作品の予約をさせられ、その作品が“傑作”なのか“駄作”なのかを分からないまま、指定されたある期間中に上映することを約束することを意味しました。20世紀初頭のサイレント映画初期の頃は(※11)、劇場主が上映プログラムを決めていたのに対して、この時代においては特定の映画会社系統の作品だけが独占公開しされ、その先1年間の上映スケジュールを確保することと引き換えに、選択権を破棄することとなったのです。

※10 プリプロとは、プリ・プロダクションのことで、撮影に入る前の作業の総称です。

※11 サイレント映画とは、無声映画のことです。CINEMA & THEATRE #027で取り上げました。

大手映画会社にとって、映画館は最大の収入源でありました。ブロック・ブッキングを用いることで、映画会社は作品の販路を安定化させ、映画製作のための予算を確保することができたのです。その代わりに、映画会社は約束した上映スケジュールを満たすだけの作品の本数を製作する必要があり、その結果、安直な映画作品を大量生産することになりました。その結果、映画会社のトップ・スターが出演した手の込んだ主力作品とは違う、質的に劣った“B級”(※12)の作品が数多く製作されるようになりました。こうしたブロック・ブッキングによって、ヒットが最初から見込めないB級のような作品でも上映期間を確保できる一方、いい作品がヒットしても決められた上映期間で打ち切られるという問題が生じました。

※12 B級映画とは、短期間の撮影、低予算で、特定の観客層の受けを狙って製作された映画作品のことです。

1938年にアメリカの司法省は、映画市場から自由競争を事実上奪っていた大手映画会社8社に対して、その慣行が独占禁止法に触れるとして訴えを起します。この訴訟は筆頭会社の名をとって「パラマウント訴訟」と俗称されています。事態を収めるために、ビッグ・ファイヴは1つのブロックを最大5作の長編と設定し、短編やニューズ映画をセットで押し付けないという同意審決を受け入れます。しかし、実際にはこの判決の条件に完全に従うことはせず、それに対して政府は43年に訴追を再開します。第二次世界大戦の騒動で問題は一旦保留となるものの、終戦の一ヶ月後には裁判が再び開かれ、最高裁判所まで持ち込まれましたが、最終的に1948年に独占禁止法に触れるとする判決が出されました。これにより、大手映画会社はブロック・ブッキングを完全にやめさせられ、それぞれの劇場のネットワークを完全に手放さざるをえなくなります。こうして40年間ほど続いたストゥディオ・システムは衰退することとなります。

一方、海外でもアメリカの映画会社による映画市場の独占を制限する動きが増していきます。そもそも黄金時代のハリウッドは売り上げの40%くらいを海外市場から得ていたといわれています。第二次世界大戦中にハリウッドを利用してアメリカの団結と強化に成功したアメリカ政府は、映画というメディアが国際的に持ちうる影響力に気づきます。戦後、アメリカ政府は第二次世界大戦で疲弊したヨーロッパ諸国に対して「マーシャル・プラン」という復興計画を推進します。その裏には西ヨーロッパを再建することによって、アメリカの商品や資本の輸出先を確保し、アメリカの資本主義を維持すると同時に民主主義を拡散するという狙いもありました。つまりそれには「ヨーロッパをソ連の共産主義から防御する」という一面もあったのです。その一環として、戦時中は滞っていたアメリカの映画やポピュラー音楽(ロック)の輸入が一気に復活します。ところがこの動きに対して、英国、フランス、イタリアなどの政府は、自国の映画産業の成長を保護するために、輸入されるハリウッド映画に制限を課します。このことはハリウッドのストゥディオ・システムにとってとても大きな打撃となります。





3. Fear of Aliens and the Red Scare

In some ways, the rise of the Hollywood studio system in the 1920s can be seen as a response to American fears regarding Communism and aliens (immigrants).

The Russian Revolution (*13), which began in 1917, resulted in the abolition of the Russian monarchy and the establishment of the Union of Soviet Socialist Republics (aka the Soviet Union). The rise of the world’s first socialist republic gave hope to working-class citizens in countries around the world who had been suffering from poverty and inequality stemming from capitalism. At the same time, however, World War I had sparked a sense of patriotism and a wave of nationalism among Americans. These two developments would lead to the First Red Scare, which was marked by a widespread fear of far-left extremism and Communist revolution (*14). This era saw a rise in labor unrest, with multiple strikes taking place in industries like steelworking, shipbuilding, and coal mining. In 1919, a split in the Socialist Party of America led to the founding of the Communist Party of the United States. Newspapers fanned the flames with exaggerated headlines and questionable sources in order to stir up negative sentiment against the USSR and communism, and the result was a rise in anti-alien (that is, anti-immigrant) sentiment—especially against those from Europe. 

*13 The Russian Revolution was a period of political and social revolution across the territory of the Russian Empire, commencing with the abolition of the monarchy in 1917, and concluding with the establishment of the Soviet Union.

*14 A communist revolution is a proletarian revolution, that is, a revolution initiated by the working class with the goal to overthrow the bourgeoisie and replace capitalism with communism.

The American film industry, which had been largely shaped by European immigrants was especially seen as suspect. Nevertheless, a handful of Jewish Americans from Eastern Europe built the Hollywood studio system and became movie moguls. In their eyes, the only way they could prove themselves and earn their place in America was to attain the American Dream. In the 1930s, they would agree to self-impose the Hays Code (*15) to assuage the fear harbored by religious (Protestant (*16) and Catholic) groups that the films being produced by these Jewish moguls were corrupting American morals.

*15 The Hays Code, or the Motion Picture Production Code, was a set of moral guidelines that Hollywood self-imposed on its movies between 1934 and 1968.

*16 A protestant is a member of any of the Christian groups that separated from the Catholic Church during the Reformation, or of any group that descended from them.

With the Great Depression and the specter of war looming just across the pond over Europe, anti-alien sentiment grew and grew during the 1930s. Isolationists increasingly saw the progressive-minded (*17) interventionists in Hollywood as trouble. While the movie moguls were businessmen, the filmmakers and screenwriters and actors at their studios were artists, who could hardly be seen as making an honest living. In 1933 the latter formed the Screen Actors Guild and the Screen Writers Guild, which angered the former. Concurrently, the rise of the Nazis in Europe led to many European filmmakers fleeing to Hollywood, which only meant more scrutiny directed at the industry.

*17 Someone who is progressive favors progress, change, and social reform.

During World War II, anti-Communist sentiment would temporarily die down; after all, the United States and the Soviet Union were fighting against the Axis powers as allies. Membership of the Communist Party USA increased during the Great Depression and reached its peak in 1942, right after the U.S. had entered the war. In the immediate postwar period, tensions rose between the world’s two superpowers: the U.S. and the Joseph Stalin-led (*13) Soviet Union. This led to what is known as the Cold War between the Soviet-backed Eastern Bloc and the U.S.-backed Western Bloc.

JStalin Secretary general CCCP 1942
Unknown author
Public domain
*18 Joseph Stalin (1878-1953) was a Soviet politician who ruled the Soviet Union from the mid-1920s until his death in 1953.



In the U.S., fear of a potential rise of communism or anarchism within the country reached an all-time high, leading to the Second Red Scare (aka McCarthyism)—where people were convinced that national or foreign communists had infiltrated U.S. society and the federal government. The House Un-American Activities Committee, which had been formed in 1938 to expose subversive activities among private citizens and those suspected of having Fascist ties, was reoriented to investigate suspected Communists and Communist sympathizers. It especially put its energy into investigating those in the entertainment industry and Hollywood. Meanwhile, in the Senate, Joseph McCarthy (*19) headed committees that attempted to reveal the breadth of the Soviet spy network that had infiltrated the federal government.

Joseph McCarthy adjusted
United Press
Public domain
*19 Joseph McCarthy (1908-1957) was an American politician who served as a Republican U.S. Senator from the state of Wisconsin between 1947 and 1957.

Conservative, isolationist, and religious groups had long held that Hollywood was a hotbed of subversive and morally deprived activity. Much like the Hays Code was implemented in the 30s to make Hollywood films more wholesome, in 1947, Walt Disney cofounded the Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals, a political action group that issued a pamphlet that advised movie producers on how to avoid “subtle communistic touches” in their films. Unfortunately, that wasn’t enough. The same year, the publisher and founder of The Hollywood Reporter published a number of articles that named purported Communists and sympathizers within Hollywood. The House Un-American Activities Committee drew upon that list of names and began subpoenaing people in the industry to testify at hearings. Ten “unfriendly witnesses”—mostly screenwriters—who cited their First Amendment rights and refused to answer the committee’s questions were accused of contempt of Congress and convicted in 1948.

As McCarthyism spiraled out of control, the Hollywood Blacklist continued to grow. Most of those who were blacklisted were unable to obtain work in the American film and television industry for many years; some continued to work under pseudonyms. This loss of creative talent would be yet another blow against an already ailing Hollywood.



3. “エイリアン”に対する恐怖と“赤狩り”

アメリカの映画会社が1920年代にストゥディオ・システムというビジネス・モデルを確立した当初からハリウッド内には、“コミュニズム”と“エイリアン”(移民)に対する懸念が色濃くありました。

1917年のロシア革命(※13)によって200年ほど続いていたロシア帝国が崩壊し、ソビエト連邦社会主義共和国が成立されました。史上初の共産主義国家の樹立は、世界中で資本主義の搾取や貧困に苦しむアメリカを含む労働者階級の民衆に希望を与えました。一方で、第一次世界大戦を通じてアメリカ国民の間には強い愛国心が芽生え、煽られてもいました。この2つのことが重なったことによっていわゆる「第一次赤狩り」が起こります。この頃からアメリカでも製鉄業、造船業、採炭業などの各業界で労働者がストライキを起こるようになり、1919年には「アメリカ合州国共産党」が設立されました。アメリカでも労働者革命(※14)が起こるのではないかという恐怖が資本家や政府の中に広がり、新聞はそれを更に煽ることで“エイリアン”(特にヨーロッパからの移民)に対する反感が掻き立てられました。

※13 ロシア革命とは、1917年にロシア帝国で起きた2度の革命のことを指す名称です。

※14 労働者革命とは、資本主義社会において、プロレタリアート(賃金労働者階級)がブルジョワジー(資本家階級)に対して行う革命のことです。

ヨーロッパからの移民が数多く活躍していたアメリカの映画産業は、特に風潮に晒されます。そんな中でも特にユダヤ系の移民は、様々な差別を受けながらも努力を続け、“ストゥディオ・システム”を確立し、ハリウッドを一大産業にします。彼らからすると、成功することでしかアメリカ社会で生きて行く道を認めてもらうことができないと感じていたのでしょう。ハリウッドが30年代に「ヘイズ・コード」(※15)を導入し、いかがわしい描写を自主的に禁止するようにしたのも、主にユダヤ系のエイリアンたちによって製作されていた映画作品をキリスト教(主にプロテスタント系(※16))のアメリカ社会に受け入れてもらうための妥協策であったという見方もできます。

※15 ヘイズ・コードとは、1930年代からアメリカの映画界で導入されていた自主規制条項のことです。

※16 プロテスタントとは、16世紀にローマ・カトリック教会に抗議して分離したキリスト教各派、及びその信徒の総称です。

30年代に大恐慌の嵐が吹き荒れ、ヨーロッパに2度目の世界戦争の暗雲が垂れ込める中、アメリカ国民のエイリアンなものに対する不安や恐怖はより一層強まることとなりました。欧州での戦争への軍事介入に否定的であった東海岸のモンロー主義者たちは、進歩的で介入に賛成的であったハリウッドに対して強い疑念を抱くようになります。映画会社の経営者たちはかろうじて保守的な“ビジネスマン”であったかもしれませんが、映画会社に所属していた脚本家や俳優たちはアートという“堅気”ではない営みに徹する急進派(※17)として見なされました。彼らは1933年には映画脚本家組合や映画俳優組合を設立し、映画会社の経営者たちの反感を買います。同時に欧州でナチス党が勢力を増す中、ヨーロッパから亡命し、ハリウッドにやってくる映画人も数多くいました。それを受けて映画業界に対する風当たりはますます強まりました。

※17 急進派とは、政治学において革命などの手段によって社会構造の変更を目的とする政治原理です。ラディカリズムとも言います。

アメリカが第二次世界大戦に参戦すると、反共産主義の風潮は一旦静まります。アメリカもソ連も同じ連合国側で戦っていたからです。アメリカ共産党の党員数もこの時期に伸びたとされています。しかし、終戦後の1946年ごろから、ヨシフ・スターリン(※18)が率いるソビエト連邦が東ヨーロッパ諸国に影響力を持ち始めます。アメリカ政府は西ヨーロッパの国々に対して前述の「マーシャル・プラン」を推進します。こうして資本主義を掲げる“西側”と共産主義の“東側”の間で冷戦が始まります。

JStalin Secretary general CCCP 1942
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※18 ヨシフ・スターリン(1878年〜1953年)は、ソビエト連邦の政治家です。29年間にわたって同国の最高指導者でした。



アメリカ国内でも共産主義への警戒心がピークに達し、「第二次赤狩り」が引き起こされます。その中心となったのが、「下院非米活動委員会」とジョセフ・マッカーシー(※19)上院議員でした。1938年にファシストを摘発するために発足した「下院非米活動委員会」が再編成され、今度は共産主義団体やその協力者の監視と告発を行います。一方、マッカーシー上院議員が共産党に協力的であったアメリカ政府関係者を次々と告発し、排除しようとします。下院非米活動委員会は特にハリウッドに目をつけます。

Joseph McCarthy adjusted
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※19 ジョセフ・マッカーシー(1908年〜1957年)は、アメリカの共和党上院議員です。

そもそも保守派の団体や、戦前からモンロー主義を訴えていた団体は、ハリウッドを「反体制的な活動の温床」「危険的な思想を伝達しようとする確信犯」として、以前から批判していました。それに対して1947年にウォルト・ディズニーを筆頭にハリウッドは「アメリカの理想を守るための映画同盟」を設立し、新共和主義的であると思われないための規制を設定します。それでも“サヨク”のイメージは払拭されず、同年に業界紙「ハリウッド・レポーター」の設立者は、共産党と関わりがある業界関係者のリストを誌面に掲載します。それを元に下院非米活動委員会は公聴会を開き、業界人を法廷審問に召喚しました。その結果、証言を拒否した「ハリウッド・テン」(脚本家を中心とした10人の映画産業関係者)は侮辱罪で訴追されて有罪判決を受け、業界から追放されます。これを「ハリウッド・ブラックリスト」といいます。

その後、マッカーシズムの嵐が吹き荒れ、ブラックリストは拡大していきます。ブラックリストされた映画関係者は、60年代前半にそのリストが消滅するまで、完全に干されるか、かろうじて仕事を得ることができても匿名で活動したりクレジットされないという状態が続きました。このことはストゥディオ・システムの解体によって衰退期に入っていたハリウッドに更なる打撃を与えました。





4. Television and Changing American Lifestyles

In pre-World War II America, moviegoing was a national pastime. More than half of U.S. citizens went to a movie theater at least once a week. That number continued to grow even during the war, eventually peaking out at 90 million (about 60% of the population) in 1946. In the postwar period, however, lifestyle habits in America would change in a major way. The G.I. Bill (aka the Servicemen’s Readjustment Act of 1944) gave returning veterans dedicated payments of tuition and living expenses to attend high school, college, or vocational school. Some veterans got married, had kids, and moved to the suburbs—the final frontier and ultimate resting place of the American Dream. More time spent studying and with kids meant less time to go to the movies.

The biggest disruptor from Hollywood’s perspective was the rise of television culture. While there were only about 4,000 TV sets across the U.S. in 1940, by 1960 90% of households had their own TV. Americans began turning to this new form of mass media for their news, and popular fashion, vernacular, and values were increasingly shaped by what was on the tube.

The rise of television was the final blow to classical Hollywood, which had already been reeling from the dismantling of the studio system and blacklisting. But the death of old Hollywood also signaled its imminent rebirth. Movie studios, which had lost its main source of income—theaters—let go much of its roster of talent. Many transitioned to television, but others remained and changed the face of Hollywood. While the studio system had been producer-driven, Hollywood was now relying more and more on the bankability of big-name actors, directors, and screenwriters to help persuade sponsors to finance their films. This, in turn, would lead to the rise of talent agencies in and around Hollywood. Meanwhile, there was now room for independent movie producers to make a name for themselves. By 1959, about 70% of Hollywood’s output was being produced by independent companies.

Hollywood would turn to new technologies and gimmicks in order to draw audiences back into theaters. It was around this time that drive-in theaters (*20) experienced unprecedented growth. This was fueled by returning veterans moving out to the suburbs and the birth of the baby boomers (*21); drive-ins were much more family and automobile-friendly.

*20 Drive-in theaters consist of a large outdoor movie screen in a parking lot that allows customers to view movies from the comfort of their cars.

*21 The baby boom refers to the birthrate explosion in the 20 years following World War II.

Major movie studios implemented widescreen formats like Cinerama (*22) and Cinemascope (*23), 3D, and stereophonic sound to make the moviegoing experience an event.

*22 Cinerama is a widescreen process that originally involved projecting images simultaneously from three synchronized projectors onto a huge, curved screen.

*23 CinemaScope is an anamorphic lens series used chiefly between1953 to 1967 for shooting widescreen movies.

At the same time, movies themselves had to evolve in order to remain competitive. The decline of the studio system meant that the major studios were now focusing on a smaller slate of films with high commercial prospects. This would eventually lead to the rise of blockbusters in the 1970s and beyond. Movies also had to set themselves apart from television programming. That led to filmmakers taking more and more chances and producing edgier pictures. That included violent and morally questionable film noir, dramas centered on adultery, and the rise of the sex comedy.

Today, Hollywood is in the midst of what is arguably the greatest crisis it has ever faced. It’s interesting to note that Hollywood became the center of the American film industry in the 1910s; half a century later the Golden Age of Hollywood came to an end, and now, another half-century later, movie theaters around the world are on their last legs. The advent of 4K and 8K LED screens for home use, coupled with the rise of video streaming services, has made audiences the world over question the moviegoing experience. This time, perhaps, Hollywood saw it coming, but efforts like the reintroduction of 3D and the attempt to transform the experience into an amusement park ride—4D (*24)—have achieved middling results at best. In America the answer always seems to be to “go bigger”.



The new coronavirus pandemic has only made the situation go from bad to worse. Movie theaters across the U.S. remain closed as COVID-19 wreaks havoc on Hollywood and on the entire motion picture industry as a whole. In 2020, movie fans have looked to blockbuster auteur Christopher Nolan (*25) as their savior and the planned July release of his latest film Tenet as the spark that will reignite the American movie industry. Originally planned for a July 17th release, the movie was pushed back to July 31st, and then to August 12th. As of July 27th—with COVID-19 cases continuing to surge across the U.S.—the film has been delayed indefinitely.

*25 Christopher Nolan (1970-) is an English movie director, producer, and screenwriter.

(Read part two here)

4. テレヴィの普及と変わるアメリカ国民の生活習慣

第二次世界大戦の前のアメリカにおいて、映画観賞は国民の最大の娯楽でした。国民の半数以上が週に一回は映画館に足を運んでいたといわれています。毎週の動員数は戦時中も安定して伸び続け、戦後の1946年には9000万人(人口の約60%というピークに達しました。ところが戦後の時代において、国民の生活習慣は大きく変わることとなります。帰国した退役軍人は復員軍人援護法の下で大学に通ったり、あるいは結婚して家族と共に都市部を離れ、郊外で暮らすようになりました。勉強したり家族と過ごす時間が増える一方で、映画に行く回数が減っていきました。

そして何より人々の生活習慣を大きく変えたのが、テレヴィという“魔法の箱”が一般家庭に普及したことでした。1940年の時点で全米のテレヴィの台数は4000台にも満たなかったのに対して、1960年ごろまでには90%の家庭にテレヴィが置かれるようになりました。“マス・メディア”の役割を乗っ取ったテレヴィは人気トレンド、ファッション、言葉遣い、価値観などに大きく影響するようになります。

ストゥディオ・システムの解体と赤狩りに加えて、テレヴィの出現はアメリカの映画業界に更なる追い討ちをかけました。しかし、これは古典的なハリウッドの“死”であると同時に、業界の生まれ変わりを引き起こしました。映画館という主な収入源を失った大手映画会社は所属の俳優らの多くを解雇します。彼らの多くはテレヴィ業界へと移行することにします。それまでハリウッド映画は基本的にプロデューサー主導であったのに対して、今度は作品の収益性を確保するためにスポンサーは大物俳優、大物監督、大物脚本家の起用を要求するようになります。これはアメリカの映画業界におけるタレント・エージェンシーの台頭へと繋がります。また、大手映画会社の影響力が衰えることによって、独立系の映画会社が勢いをつけることになります。1959年ごろには、ハリウッド映画の70%くらいが独立系によって製作されるようになっていました。

映画業界は客を呼び戻そうと、あの手この手を使います。例えば戦後の10〜20年間にアメリカ各地にドライブ・イン・シアター(※20)が数多く作られました。この背景には、前述の郊外に引っ越した退役軍人と、彼らの子供であるベビー・ブーム世代(※21)の出現があります。それまでは都市部の映画館に歩いて行くことが主流であったのに対して、戦後は郊外を中心に“家族向け”のドライブ・イン・シアターのブームが起こります。 

※20 ドライブ・イン・シアターとは、大きな駐車場にスクリーンを配置し、車に乗ったまま映画が鑑賞できる上映施設のことです。

※21 ベビー・ブームとは、第二次世界大戦後に起こった人口急増現象のことです。

また、大手映画会社はテレヴィとの差別化を図るために様々な新しい技術の導入を試みます。“シネラマ”(※22)や“シネマスコープ”(※23)といったワイド・スクリーンのフォーマット、3D映画、ステレオフォニック音響(いわゆるステレオ・サウンド)など、アトラクション性の高い技術です。

※22 シネラマトは、3台の映写機で湾曲したスクリーンに映画を投影する方式のことです。

※23 シネマスコープとは、映画の画面比率の1つで、横縦比が2.35:1とかなり横長なサイズの映画のことです。

同時に、映画作品の内容も進化する必要がありました。ストゥディオ・システムの崩壊によって、大手映画会社はより少ない本数の、興行成績が見込める作品にお金を集中的につぎ込むようになります。これは70年代の、いわゆる“ブロックバスター映画”(娯楽的な超大作)の誕生へと繋がります。また、テレヴィでは見られないような内容を提供するために、それまでのヘイズ・コードの規制を振り切って、よりエッジの効いた“アブナイ”作品を作る流れも生まれました。より暴力的で道徳的に曖昧なフィルム・ノワールや、不倫をテーマにしたドラマ、女性の性的魅力を描いたセックス・コメディが製作されるようになります。

ハリウッドが1910年代にアメリカ映画産業の中心となり、その約半世紀後に大危機が訪れたように、ハリウッドが生まれ変わった戦後の時代の約半世紀後に当たる今日にも、映画産業は、再び新しい存続の危機に直面しています。近年の液晶パネル、4Kや8K対応テレヴィの普及、そしてネットの動画配信サーヴィスの台頭によって、「映画館ならではの体験とは何か」が改めて問われています。ハリウッドはこうした状況に対して早くから危機感を抱いていたようで、2000年代以降は、再び映画館でしか体験できない3D映画が製作されるようになったり、もはや遊園地のアトラクションと変わらない“4D”(※24の映画館も登場しました。さすがアメリカ、いつの時代もハリウッドが出す答えは、“よりデッカく”、のようです。

※24 映画館における4D技術とは、映画に同期して駆動する座席、雨、霧、光を付加する技術のことです。



そして2020年、新型コロナウイルス感染症のパンデミックが起こり、世界各地でロックダウンが実施されたり、外出自粛が呼びかけられました。そんな中、今年の目玉となる超大作と期待されていたクリストファー・ノーラン監督(※25)の新作『TENET テネット』の公開の行方が、世界中の映画ファンに注目されています。映画館に観客を呼び戻す最大の起爆剤であると同時に、この先の映画業界を占う指標となるからです。この作品は当初は7月17日に公開される予定でしたが、一度7月31日に変更され、更に8月12日に変更されました。ここ数週間でアメリカ国内のコロナの感染状況がどんどん悪化していることを受けて、7月下旬現在、一旦公開は無期延期となっています。ハリウッド、つまりアメリカ的な映画というものは、テレヴィの出現以来の危機に直面しているのです。

※25 クリストファー・ノーラン(1970年〜)は、英国の映画監督、プロデューサー、脚本家です。

(後編は こちら)
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